Eventernet

Israel, Palästina, Syrien. Konfliktgebiete, bei denen die Thematik selbst oft nur als “The Situation” bezeichnet wird. Vielleicht, weil niemand so wirklich genau weiß, wie man es anders bezeichnen könnte. Vielleicht, weil die tatsächlichen Dinge zu grauenhaft sind, um sie auszusprechen. Doch wenn über die “Situation” gesprochen wird, hat jeder eigene Bilder im Kopf. Von verletzten Zivilisten, von flüchtenden Menschen, von Waffen und Gewalt. Dass all das aber wesentlich komplexer ist, als die sofort damit assoziierten Bilder, zeigt Yael Ronens Stück „The Situation“ am Maxim Gorki Theater in Berlin.

Vorstellung vom 06. Juni 2017 am Maxim Gorki Theater

Rezension von Jessica Müller

Wie so oft bei der israelischen Theatermacherin werden im Stück autobiografische Inhalte miteinander verwoben, wobei aufgrund des Bühnenkontextes nie ganz klar ist, was nun tatsächlich real ist und was nicht. Sprechen fiktive Figuren und erzählen sie fremde Geschichten oder sind es doch ihre eigenen? Der Glaubwürdigkeit des Stückes tut dies jedoch keinen Abbruch. Ganz im Gegenteil, durch die Vermengung von Humor und Schwere entsteht eine Inszenierung, die das Publikum von Anfang an in ihren Bann zieht. Es ist zwar ein bekanntes Muster von Ronen, die Stimmung zunächst mit viel (manchmal auch recht schwarzem) Humor zu lockern und dann in die Tiefe zu gehen, aber es scheint ja dennoch jedes Mal zu funktionieren.

-Wer bist du? Wo kommst du her?-

Der klassische Integrations-Deutschunterricht ist die Ausgangssituation des Stückes. Hier geht es um die Basics, die W-Fragen, die von dem von Dimitrij Schaad verkörperten Deutschlehrer Stefan mit großen Gesten unterstrichen werden. Wer bist du? Wo kommst du her? Was eine simple Vorstellungsrunde hätte werden können, entwickelt sich zu einer tiefen Suche nach Identität, Heimat und Zugehörigkeit. Denn wie soll die israelische Jüdin Noa (Orit Nahmias), die mit einem palästinensischen Araber (Yousef Sweid) verheiratet ist und nun mit ihm und ihren Kindern in Deutschland lebt, denn sonst erklären, wer sie ist? Sowas lässt sich nicht einfach nur zwischen Tür und Angel erzählen. Zumal das Paar kurz vor der Scheidung steht. Aber nicht aus politischen Gründen, das betont sie.

So komplex sich diese Geschichte anhört, wird es immer komplexer, umso mehr Charaktere auf die Bühne treten. Da gibt es den Syrer Hamoudi (Ayham Majid Agha), der einen mobilen Hummus-Stand vor der Sprachschule eröffnen will. Er will eigentlich zurück in sein Heimatland, aber ihm ist klar, dass das in der momentanen Situation nicht geht. Mit viel Sarkasmus erklärt er, dass auch die Situation in Syrien komplizierter ist, als sie manchen vielleicht erscheinen mag. Karim (Karim Daoud) und Laila (Maryam Abu Khaled) sind zwei Palästinenser*innen, die beide nach einem Ort suchen, an dem sie frei leben können. Geprägt von der Gewalt und dem Hass, mit dem sie aufgewachsen sind, finden sie ihr Ventil in der Musik.

-[...]die Figur des Deutschlehrers gewinnt wahnsinnig an Tiefe[...]-

Nach kurzen Szenen, in denen immer nur kleine Einblicke in die verschiedenen Identitäten und Hintergründe gegeben werden, folgt der erste richtige Monolog. Und zwar vom Deutschlehrer Stefan. Denn Stefan heißt eigentlich Sergej und wurde in der damaligen Sowjetunion, dem heutigen Kasachstan geboren. Er erzählt davon, wie sie sich nach dem Ende der DDR erhofft hatten, sich ein neues Leben in Deutschland aufbauen zu können. Es kam jedoch alles anders und so taucht man in die oft sehr beschwerliche Geschichte dieser Familie ein. Hier gewinnt die Geschichte und vor allem die Figur des Deutschlehrers wahnsinnig an Tiefe, denn hinter dem sich so pädagogisch und politisch korrekt ausdrückenden Stefan verbirgt sich die schwere Vergangenheit Sergejs.

Auch wenn an diesem Abend öfter der Ausruf „Wie kann ich den Nahost-Konflikt lösen?“ zu hören ist, gibt das Stück auf diese Frage natürlich keine Antwort. Eine so hochkomplizierte Situation lässt sich nicht in 90 Minuten durch ein Theaterstück lösen, was selbstredend auch nicht Ronens Anspruch war. Das Stück zeigt jedoch auf, wie wichtig es ist, die Hintergründe der Menschen, denen wir begegnen, kennenzulernen, um nicht nur sie besser zu verstehen, sondern auch uns selbst. Ob man für alles eine Lösung finden kann, ist ungewiss. Doch wie Noa am Ende so schön sagt: „Nur weil es unglaublich ist, heißt es nicht, dass es unmöglich ist.“ Auch wenn das Stück nicht die Welt retten kann, so hat es doch wenigstens den Blick für andere Perspektiven geöffnet. Und das ist immerhin der erste Schritt.

Wem ist „Despacito” nicht als Dauerohrwurm des Jahres im Kopf geblieben? Wer summt nicht ständig „Pasito, pasito …“ mit, sobald man die ersten Töne des Songs hört? Seien wir ehrlich – Daddy Yankee und Luis Fonsi haben mit ihrem Song einen echten Treffer gelandet. Umso aufgeregter war ich, dass ich nun endlich die Gelegenheit bekommen würde, „Despacito“ live zu hören. Denn am 04. Juni 2017 war es so weit – Daddy Yankee brachte die Columbiahalle in Berlin zum Beben!

Die beiden Voracts Santito und Raulyn heizten mit Unterstützung des Tanzduos TwoLicious dem Publikum bereits ordentlich ein. Zwei Stunden nach Einlass wurde jedoch bekannt gegeben, dass Daddy Yankee immer noch auf dem Weg zur Halle sei. Organisationstechnisch wurde das aber wirklich gut gelöst, denn das Publikum wurde zeitnah informiert und zur Überbrückung wurden bereits einige seiner Hits samt Videoclips abgespielt. Zudem gab es hin und wieder kurze Lichtshoweinlagen. Als Daddy Yankee nach einer weiteren Stunde dann doch die Bühne betrat, war jede Sekunde der Wartezeit vergessen, denn wenn er eines mitgebracht hat, dann war das jede Menge Power.

Die Menge stand gar nicht mehr still und bewegte sich die ganze Zeit zu den heißen Latinsounds des Puerto Ricaners. Daddy Yankee selbst legte eine Wahnsinnsperformance hin, die durch die Energie der Tänzer und Tänzerinnen auf der Bühne noch gesteigert wurde. Begleitet wurde das ganze von einer grandiosen Feuer- und Lichtshow. Auch die Interaktion mit dem Publikum kam nicht zu kurz, denn immer wieder erzählte Daddy Yankee Anekdoten aus seinem Leben, ließ das Publikum singen oder startete den Versuch, mit allen Smartphones in der Halle gleichzeitig ein Foto zu machen. So blieb es definitiv spannend und unterhaltsam.

Trotz der doch recht langen Wartezeit im Vorhinein und der relativ kurzen Zeit von einer Stunde und zwanzig Minuten, die Daddy Yankee tatsächlich auf der Bühne stand, war das Konzert ein voller Erfolg. Das Publikum sang und tanzte und so hatten sowohl die Menschen auf der Bühne als auch diejenigen, die davor standen, eine wirklich gute Zeit. Und für einen kleinen Moment konnte man so die Sonne Puerto Ricos auf der Haut spüren.

Vielen Dank an StarshineTickets, dass Eventernet live vom Konzert berichten durfte.

Es ist lange her, dass ich das letzte Mal ein Stück mit tatsächlich durchgehendem Handlungsstrang und halbwegs realistischem Bühnenbild gesehen habe. Größtenteils weil mich das oft langweilt. In „Bella Figura“ von Yasmina Reza unter der Regie von Thomas Ostermeier passt es jedoch erstaunlich gut und jede dieser Bühnenbildszenerien wird so gut bespielt, dass es absolut stimmig wirkt. In dem Stück, das Reza speziell für das Ensemble der Schaubühne geschrieben hat, geht es um den Glasereibesitzer Boris, ca. Anfang vierzig, der seine Frau Patricia seit vier Jahren mit seiner Dauergeliebten Andrea betrügt. Das Stück spielt um, vor und in dem Restaurant, in dem Boris und Andrea essen gehen wollen, jedoch auf das Paar Éric und Francoise treffen, die den Geburtstag von Érics Mutter Yvonne feiern wollen. Das Bindeglied in dieser Konstellation ist Patricia, die eine langjährige Freundin von Francoise ist. Der Dinnerabend beginnt und die Dinge nehmen also ihren Lauf.

Vorstellung vom 30. Mai 2017 an der Schaubühne Berlin

Rezension von Jessica Müller

Hier wird deutlich, inwiefern der Theaterrahmen als Spielplatz für Handlungsoptionen genutzt werden kann. Es ist wohl kaum verwunderlich, dass unter eben genannter Prämisse die Entstehung einer unangenehmen Situation ja praktisch vorausgesetzt ist. Doch statt wie vielleicht oft im Leben den Weg des geringsten Widerstandes zu gehen, wird hier der Finger auf die Wunde geleckt und nochmal ordentlich reingedrückt. Andrea, gespielt von Nina Hoss, hat nämlich keinerlei Interesse an der Entschärfung der Situation und tritt aus voller Absicht in jedes Fettnäpfchen, das sie finden kann. Die Protagonist*innen verbünden und verfeinden sich, verzeihen und werfen sich Dinge vor, es ist ein Auf und Ab von intensiven Streitmomenten und Versöhnungen. Alles gewürzt mit einer ordentlichen Portion Selbstironie und Situationskomik.

-Selten sieht man auf der Bühne so eine perfektionierte Rollenverkörperung-

Das absolut lobenswerteste an dem Stück war jedoch ohne Zweifel die schauspielerische Leistung des Ensembles. Mark Waschke, Stephanie Eidt, Renato Schuch und Lore Stefanek sind auf der Bühne virtuos. Dennoch überstrahlt Nina Hoss in dem Stück alle noch so gute Schauspielleistung der restlichen Besetzung. Selten sieht man auf der Bühne so eine perfektionierte Rollenverkörperung, die Hoss scheinbar nicht einmal die geringste Mühe kostet. Dank einer so grandiosen Besetzung kann die Sichtbarmachung der menschlichen Abgründe, wie man sie bei Reza oft findet, erst wirklich stattfinden. Dank einer so exzellenten Darbietung wird die Komplexität der Figuren erst spürbar.

Trotz aller positiven Kritik an „Bella Figura“ muss jedoch auch die Schwachstelle des Stücks erwähnt werden: irgendwie bleibt es doch immer an einem Punkt. Schuld daran ist wahrscheinlich auch zum großen Teil das Ende des Stückes, das weder Höhepunkt noch Tiefpunkt des Stückes darstellt, sondern einfach so weitermacht, wie eben das ganze Stück schon war: zwar wird an der Oberfläche gekratzt und mal geschaut, was sich darunter befindet, aber so ganz tief rein in den Abgrund möchte man dann doch nicht. Das ist schade, denn gerade in Anbetracht der Theorie, den Theaterraum als Spielplatz zu verwenden, gibt es so viel mehr Möglichkeiten, noch tiefer in die menschliche Psyche abzutauchen und zu erforschen, was sich dort befindet oder befinden könnte.

-Gut herausgearbeitet ist jedoch die (Un-)Möglichkeit des menschlichen Miteinanders-

Bella Figura“ ist ein Stück mit viel ungenutztem Potential. Wenn schon Wege in die Schattenseiten des Menschen suchen, dann richtig und nicht einfach auf halbem Weg umdrehen, weil es vielleicht doch zu dunkel werden könnte. Gut herausgearbeitet ist jedoch die (Un-)Möglichkeit des menschlichen Miteinanders. Denn so sehr wir manche Menschen auch lieben, manchmal sogar brauchen, so sehr können wir sie auch manchmal absolut nicht ausstehen. Das ist mehr als offensichtlich bei dem Pärchen Andrea und Boris, doch auch die Mutter-Kind-Beziehung zwischen Éric und Yvonne wird durch so eine Art Hass-Liebe bestimmt. So eine feine Ausarbeitung von emotionalen Knackpunkten hätte ich mir auch in anderen Aspekten des Stückes gewünscht. Dass Yasmina Reza das kann hat sie schließlich mehr als deutlich mit dem „Gott des Gemetzels“ bewiesen, welches ebenfalls aus ihrer Feder stammt.

“Alle außer das Einhorn” am GRIPS Theater in Berlin ist ein Stück für Kinder und Jugendliche, das sich mit dem Thema Cybermobbing beschäftigt. Heutzutage läuft ein großer Teil der Kommunikation virtuell ab, wodurch neue Chancen, aber auch neue Gefahren entstehen. Da das Internet so wahnsinnig schnell wächst und immer wieder neue Optionen bietet, ist es oft schwer, Aktivitäten im Netz zu überwachen oder zu kontrollieren, gerade wenn eine große Wissenslücke zwischen der jüngeren und älteren Generation existiert. Das alles ist für die meisten wahrscheinlich keine neue Erkenntnis, doch ist es wichtig, sich mit Cybermobbing und dem Gefahrenpotential des Internets auseinanderzusetzen. Das tut „Alle außer das Einhorn“ zwar, jedoch wirken die Aussagen darin oft sehr plakativ, weshalb das Stück weitestgehend an der Oberfläche der Thematik kratzt.

Vorstellung vom 29. Mai 2017 am Grips-Theater

Rezension von Jessica Müller

Das Bühnenbild ist spartanisch, minimalistisch und es wird eher mit Licht, Schauspiel, Kostümen und Bewegung gearbeitet. Die Charaktere sind jedoch alle ein wenig zu überzeichnet und sehr klischeehaft dargestellt, was meiner Meinung nach der Authentizität des Stückes eher schadet als sie zu bereichern. Ich persönlich denke nämlich, dass Kinder und Jugendliche auch in komplexeren Figuren Anknüpfungspunkte zur Identifikation finden können und nicht einfach immer alles wie auf einem Silbertablett serviert werden muss. Auch Kinder und Jugendliche haben ab einem gewissen Alter die Fähigkeit, selbst zu reflektieren und nachzudenken und würden es wahrscheinlich eher genießen, ein wenig gefordert zu werden.

-Denn wenn Theater eines nicht sein sollte, dann kategorisch-

Diese Überspitzung von Aussagen zieht sich leider durch das ganze Stück. In dem Lied, das die Schauspieler*innen am Ende singen, höre ich im Refrain die Zeilen „Das Mobbing ist kein Staffellauf, hörst du nicht auf, hört's niemals auf […] Say no!“ heraus. Müssen solche einschlägigen und offensichtlich pädagogisch mehr als wertvollen Slogans im Theater sein? Ich denke nicht. Denn wenn Theater eines nicht sein sollte, dann kategorisch. Theater sollte eine Problematik von mehreren Seiten beleuchten, ohne direkt mit dem Finger auf Dinge zu zeigen und sie als „allgemeingültig schlecht“ zu bezeichnen.

Natürlich ist das bei sensiblen Themen wie Cybermobbing schwierig und es ist ganz klar, dass den jungen Menschen hier gezeigt werden sollte, wie mit so einer Situation umgegangen werden kann. Das tut „Alle außer das Einhorn“ auch wirklich gut. Ich persönlich hätte mir aber einfach weniger Vorhersehbarkeit und mehr Tiefe gewünscht, denn auch diejenigen Menschen, die aktiv andere Menschen beleidigen und ihnen das Leben schwer machen, sind nicht einfach immer nur schlechte Menschen. Dass das bei „Alle außer das Einhorn“ nicht wirklich gut herauskommt, wurde an den Buhrufen des Publikums deutlich, als die Schauspielerin, die eben diese Rolle verkörperte, ihren Applaus empfangen sollte. Offensichtlich galten die Buhrufe der Rolle und nicht der Schauspielerin, deren schauspielerisches Talent im Nachhinein auch von vielen Kindern gelobt wurde. Jedoch finde ich allein schon so eine Polarisierung im Theater schwierig.

-donnernder Zwischenapplaus nach einer Rapeinlage-

Man muss „Alle außer das Einhorn“ jedoch zugute halten, dass es durch das Aufgreifen moderner Subkulturen, wie Rap, HipHop und Breakdance doch einen guten Annäherungspunkt an das junge Publikum geschaffen hat. Die Kinder und Jugendlichen erkannten sich aber nicht nur in der Ausdrucksform wieder, sondern auch in den Inhalten. Am deutlichsten wurde dies, als es donnernden Zwischenapplaus nach einer Rapeinlage gab, in der proklamiert wurde, dass das Internet eben der Ort der jungen Generation sei und egal ob es manchen gefällt und anderen nicht – das Internet ist überall und immer präsent, auch offline. Im Stück wird außerdem thematisiert, dass auch Eltern eine große Mitverantwortung hinsichtlich neuer Medien haben, sei es als Vorbild, das selbst nicht ständig am Smartphone rumhängt oder indem echtes Interesse für die Online-Aktivitäten der eigenen Kinder gezeigt wird.

Am überwältigenden Applaus am Ende war deutlich zu erkennen, dass das Stück dem jungen Publikum gefallen hat. Es zeigt Herausforderungen, neue Problematiken aber auch Chancen des Internets auf und möchte sogleich über Gefahren und den Umgang mit solchen aufklären. Das gelingt „Alle außer das Einhorn“ zwar, jedoch hätte ich mir ein wenig mehr Komplexität im gesamten Stück gewünscht. Schließlich heißt es ja nicht, dass nur weil dem Stück mehr Tiefe gegeben würde, die wichtige Botschaft auf der Strecke bleiben muss. Dadurch hätten sich die Kinder und Jugendlichen gleich in kritischem Denken üben können – und das hätte so eine Thematik wie Cybermobbing doch eigentlich mehr als bereichert.

http://www.grips-theater.de/